영화 역사상 가장 치열하고 창조적인 시대 중 하나인 1970~1980년대, 헐리우드는 젊은 영화감독들의 도전과 혁신으로 가득했다. 그 중심에는 스티븐 스필버그를 비롯해 조지 루카스, 프랜시스 포드 코폴라, 마틴 스콜세지, 브라이언 드 팔마 등이 있었다. 이들은 모두 '뉴 헐리우드'의 핵심 인물들이자 동시대를 대표하는 감독들이었지만, 각자 걸어온 인생 경로와 영화적 철학은 확연히 달랐다. 본 글에서는 스필버그와 그의 동시대 감독들이 어떻게 다른 길을 걸었는지 비교해본다.
상업성과 대중성의 대가, 스티븐 스필버그
스필버그는 감독 데뷔 초기부터 대중과 평단 모두에게 사랑받은 드문 인물이다. 그는 철저하게 관객의 감정을 조율하고 스토리텔링을 중심에 둔 연출을 통해 상업성과 예술성의 균형을 이뤘다. 대표작 ‘죠스(Jaws)’는 여름 블록버스터 시대를 연 전설적인 영화로 평가받는다. 이는 단순한 상업적 성공을 넘어, 헐리우드 배급 구조 자체를 바꿔놓은 기념비적인 사건이었다.
그의 영화는 항상 인간 중심이며, 누구나 공감할 수 있는 감정의 언어를 바탕으로 한다. ‘E.T.’, ‘쥬라기 공원’, ‘라이언 일병 구하기’ 등은 다양한 장르에서 흥행과 비평 양쪽 모두에서 성공을 거둔 대표작이다. 특히 스필버그는 시각효과나 대규모 프로덕션을 다루면서도 인간의 감정, 도덕, 책임이라는 테마를 결코 놓치지 않는다. 그는 영화란 궁극적으로 사람에 대한 이야기라는 철학을 지닌 감독이다.
스필버그는 헐리우드 시스템 안에서도 창작자의 자율성을 확보하며, 드림웍스 설립을 통해 제작자로서도 영향력을 넓혔다. 그는 자신의 성공을 발판 삼아 젊은 감독들에게 기회를 제공하고, 할리우드의 구조 자체를 개선하는 데도 기여했다. 이는 그가 단순히 성공한 감독이 아닌, 시스템을 바꾼 리더였음을 의미한다.
예술성과 저항 정신의 대변자, 마틴 스콜세지와 코폴라
반면 마틴 스콜세지와 프랜시스 포드 코폴라는 보다 예술성과 사회 비판적 메시지에 천착한 감독들이다. 이들은 상업성보다는 영화의 언어, 감독의 시선, 사회적 맥락에 더 큰 비중을 두었다. 스콜세지는 ‘택시 드라이버’, ‘성난 황소’, ‘좋은 친구들’ 등에서 도시의 어둠, 인간의 욕망과 타락을 생생하게 묘사하며 뉴욕의 감성을 고스란히 담아냈다. 그의 영화는 불편하고 거칠지만, 깊은 인간성과 현실을 직시하는 힘이 있다.
코폴라는 ‘대부’ 3부작과 ‘지옥의 묵시록’을 통해 미국 자본주의, 가족 구조, 베트남전의 참혹함을 적나라하게 담아냈다. 그는 대규모 제작비와 예술적 비전을 동시에 추구하며 영화사의 이정표를 세운 감독이다. 하지만 이런 선택은 때때로 큰 리스크로 작용했다. 특히 ‘지옥의 묵시록’은 제작과정에서 수많은 난항을 겪었으며, 코폴라는 개인 재산을 걸고 프로젝트를 밀어붙였다.
이들의 경로는 스필버그와 다르게 항상 위험을 감수하며 예술적 도전을 이어갔다. 그 결과, 상업적 성공은 불규칙했고 경력에도 기복이 있었다. 하지만 그들의 작품은 영화라는 매체의 가능성을 확장하고, 이후 세대의 감독들에게 깊은 영향을 끼쳤다. 스콜세지와 코폴라는 영화감독이 단지 흥행을 위한 기계가 아닌, 시대를 해석하고 질문하는 철학자가 될 수 있음을 보여줬다.
기술과 독립의 선구자, 조지 루카스와 드 팔마
조지 루카스는 ‘스타워즈’라는 신화를 창조한 감독이다. 그는 특수효과, 세계관 구축, 스토리텔링의 구조화라는 측면에서 영화 기술의 패러다임을 바꾸었다. 스타워즈는 단순한 영화 시리즈를 넘어 문화 자체로 성장했고, 전 세계 팬덤 문화의 기원이 되었다. 루카스는 헐리우드의 제작 시스템에서 벗어나 자신만의 독립 스튜디오(Lucasfilm)를 통해 콘텐츠와 기술을 모두 통제했다. 이는 창작자 중심 구조의 가능성을 입증한 사례였다.
하지만 루카스는 스필버그와 달리 감독으로서보다 제작자로서 더 큰 영향력을 발휘했다. 1980년대 이후에는 ‘인디아나 존스’ 공동 제작, ILM(Industrial Light & Magic) 및 THX 시스템 개발 등 기술적 진보에 집중했다. 그는 영화 산업의 ‘기술적 인프라’를 구축한 인물로 평가된다.
브라이언 드 팔마는 비주류 장르와 실험적 연출의 대가였다. ‘스카페이스’, ‘카리’, ‘언터처블’ 등을 통해 스릴러와 범죄극 장르를 재해석했으며, 알프레드 히치콕에 대한 오마주를 빈번히 사용하면서도 자신만의 색깔을 유지했다. 드 팔마의 영화는 종종 폭력적이고 과감한 시퀀스로 논란을 일으키기도 했지만, 그는 언제나 도전적인 형식 실험과 서사 구조를 추구했다.
루카스와 드 팔마는 모두 스필버그의 절친한 동료였지만, 그들의 창작 방향은 더 개인적이고 실험적이었다. 스필버그가 ‘보편성’을 선택했다면, 이들은 ‘개인성’과 ‘독립성’을 선택했다고 볼 수 있다. 결과적으로 이들은 영화의 확장성과 가능성을 기술과 형식 측면에서 증명해낸 혁신가들이었다.
결론
스필버그와 동시대 감독들은 같은 시대를 살았지만, 전혀 다른 방식으로 영화라는 예술을 대했다. 스필버그는 대중성과 예술성의 조화를 이뤘고, 스콜세지와 코폴라는 인간의 본질과 사회적 질문을 제기했다. 루카스는 기술 혁신을, 드 팔마는 형식 실험을 통해 영화의 경계를 넓혔다. 이처럼 각기 다른 인생 경로는 곧 영화의 다양한 가능성을 보여준다. 스필버그의 작품뿐 아니라 이 시대 모든 감독들의 영화 세계를 비교하며 감상해보는 것도 진정한 시네필의 여정이 될 것이다.